에드워드 뭉크 , (1863 년 12 월 12 일 출생, 노르웨이 뢰텐-1944 년 1 월 23 일 오슬로 근처에 켈리 사망), 노르웨이의 화가이자 판화가는 연상 19 세기 말 상징주의의 주요 교리 중 일부를 기반으로하여 독일에 큰 영향을 미쳤던 심리적 주제의 처리 표현주의 20 세기 초. 그의 그림 비명 , 또는 외침 (1893), 현대의 영적 고통의 상징으로 볼 수 있습니다.
Munch는 건강이 좋지 않은 중산층 가정에서 태어났습니다. 그의 어머니는 그가 다섯 살 때 돌아가 셨고, 그의 맏누이는 14 살 때 둘 다 결핵에 걸렸다. Munch는 결국 그의 첫 번째 걸작에서 후자의 사건을 포착했고 아픈 아이 (1885–86). Munch의 아버지와 형제도 그가 아직 어렸을 때 죽었고 다른 자매는 정신 질환 . 그가 말했듯이 질병, 광기, 죽음은 내 요람을 지키고 평생 나를 동반 한 검은 천사였습니다.
뭉크는 어렸을 때 그림에 재능이 있었지만 정식 교육을 거의받지 못했습니다. 그의 예술적 발전에 중요한 요소는 Kristiania의 작가와 예술가로 구성된 동아리 인 Kristiania Bohème이었습니다. 그 회원들은 자유로운 사랑을 믿었고 일반적으로 부르주아의 편협한 마음에 반대했습니다. 서클의 나이 많은 화가 중 한 명인 Christian Krohg는 Munch에게 가르침과 격려를주었습니다.
Munch는 곧 지배적 인 자연 주의자보다 자랐습니다. 심미적 크리스티 아니 아에서 부분적으로는 1889 년 파리를 여행 한 후 프랑스 인상주의를 동화하고 1890 년경 포스트 인상파 화가 폴 고갱 (Paul Gauguin)의 작품과 접촉 한 결과입니다. 툴루즈 로트렉 앙리 . 이 시대의 일부 그림에서 그는 인상파의 열린 붓놀림을 채택했지만 Gauguin의 경계선 사용은 더 많은 것을 증명하기 위해 동질의 그에게는 외부 자연의 묘사를 넘어서 내면의 비전에 형식을 부여하려는 신 디스트 예술가들의 야망도 마찬가지였습니다. 그의 친구 인 덴마크 시인 엠마누엘 골드 스타 인은이 기간 동안 그를 프랑스의 쇠퇴 한 상징주의시를 소개했고,이를 통해 범신론적인 새로운 예술 철학을 공식화 할 수있었습니다. 디자인 섹슈얼리티.
뭉크의 독창적 인 스타일은 1892 년경에 구체화되었습니다. 그의 새 그림에서 흐르는 선의 구불 구불 한 사용은 현대 아르누보와 비슷했지만, 뭉크는 선을 장식이 아니라 심오한 심리적 계시의 수단으로 사용했습니다. 노르웨이 비평가들의 분노한 그의 작품에 대한 이해 부족은 Munch가 베를린 예술가 연합의 초청으로 1892 년에 그의 그림을 많이 전시했을 때 베를린에서 그들의 대응 자들에게 반향을 불러 일으켰습니다. 그의 그림에 대한 폭력적인 감정과 틀에 얽매이지 않는 이미지, 특히 섹슈얼리티에 대한 대담하게 솔직한 표현은 끔찍한 논쟁을 불러 일으켰습니다. 비평가들은 또한 그의 혁신적인 기술에 불쾌감을 느꼈습니다. 그러나이 스캔들은 그의 이름을 독일 전역에 알리는 데 도움이되었고 그곳에서 그의 명성은 더 멀리 퍼졌습니다. Munch는 주로 1892 ~ 95 년에 베를린에서 살았고 1896 ~ 97 년에는 파리에 살았으며 1910 년 노르웨이에 정착 할 때까지 계속해서 광범위하게 이동했습니다.
Munch의 업적의 핵심은 사랑과 죽음에 관한 그의 그림 시리즈입니다. 원래의 핵은 1893 년에 전시 된 6 장의 그림에 의해 형성되었으며, 시리즈는 제목으로 처음 전시 될 때까지 22 개의 작품으로 성장했습니다. 생명의 프리즈 1902 년 베를린 분리에서. Munch는이 그림들을 계속해서 재 배열했고, 만약 하나를 팔아야한다면 그는 다른 버전을 만들었습니다. 따라서 많은 경우에 동일한 이미지를 기반으로 한 여러 가지 페인트 버전과 인쇄물이 있습니다. 비록 프리즈 개인적인 경험에 깊이 영향을 미치고, 주제는 보편적입니다. 특정 남성이나 여성에 관한 것이 아니라 일반적으로 남성과 여성에 관한 것이며 자연의 위대한 원소 힘에 대한 인간의 경험에 관한 것입니다. 순서대로 보면 절대적인 사랑의 각성, 꽃, 시들음, 절망과 죽음에 대한 이야기가 나옵니다.
사랑의 각성은 그 목소리 (1893), 여름 밤에 나무 사이에 서있는 소녀는 뒤에있는 바다의 배에서 나는 소리보다 내면의 목소리로 더 많이 소환되는 것 같습니다. 구성 적으로 이것은 여러 그림 중 하나입니다. 프리즈 해안선의 구불 구불 한 수평이 나무, 인물, 또는 태양이나 달의 바다를 가로 지르는 기둥 모양의 반사와 상쇄됩니다. 사랑의 꽃이 피었습니다. 키스 (1892), 남자와 여자는 부드럽고 열정적 인 포옹에 갇혀 있으며, 그들의 몸은 하나의 물결 모양으로 합쳐지고 얼굴은 서로 완전히 녹아서 개별적인 특징을 유지하지 않습니다. 개성의 항복 또는 초월에 대한 특히 강력한 이미지는 성모 마리아 (1894–95), 황홀경에 머리를 뒤로 던지고 눈을 감고 흐르는 검은 머리카락 위에 붉은 후광과 같은 모양을 한 벌거 벗은 여자를 보여줍니다. 이것은 임신의 순간으로 이해 될 수 있지만, 여성의 아름다운 얼굴에는 죽음의 힌트 이상이 있습니다. 뭉크의 예술에서 여성은 노조가 절실히 바라지 만 창조적 자아의 파괴를 위협하기 때문에 두려워하는 또 다른 인물이다.
그리스 신화에서 사랑의 여신
키스 , 1902 년 Edvard Munch의 컬러 목판화; 런던 빅토리아 앨버트 박물관에 있습니다. 런던 빅토리아 앨버트 박물관; 사진, John Webb
다른 작품에서 프리즈 뭉크는 다음과 같은 제목에서 볼 수 있듯이 사랑으로 인한 고통의 주제를 탐구했습니다. 우울 (c. 1892–93), 질투 (1894–95), 재 (1894). 그의 작품에 항상 존재하는 고립과 외로움이이 그림에서 특히 강조된다면 병실에서의 죽음 (1893–95), 죽음에 관한 그의 많은 그림 중 하나. 여기서 초점은 눈에 보이지도 않는 죽어가는 아이가 아니라, 각자 자신의 슬픔에 대한 경험에 싸여 서로 의사 소통하거나 위로를 제공 할 수없는 살아있는 것입니다. 밀실 공포증으로 둘러싸인 공간과 급격히 돌진하는 바닥의 원근감에 의해 그림의 힘이 더욱 높아집니다.
같은 유형의 극적인 관점이 비명 뭉크의 가장 유명한 작품입니다. Munch가 자연 전체에서 비명을 느끼고 들었던 환각 경험에서 영감을 얻은이 작품은 공황 상태에 빠진 생물을 묘사하며 동시에 시체와 같고 정자 나 태아를 연상시킵니다. 윤곽 피처럼 붉은 하늘의 소용돌이 치는 선에 울려 퍼집니다. 이 그림에서 불안은 궁극적으로 죽음에 대한 반추와 실존주의의 중심이었던 의미의 공백과 관련하여 우주 수준으로 높아집니다. (최초의 두 버전 비명 1893 년; Munch는 1895 년에 또 다른 버전을 만들었고 1910 년에 네 번째 버전을 완성했습니다.) 그의 예술도 분명했습니다. 친화력 당시의시와 드라마와 흥미로운 비교를 할 수 있습니다. 헨릭 입센 과 August Strindberg , 둘 다 그가 그린 초상화.
Edvard Munch : 비명 비명 에드바르 드 뭉크 (Edvard Munch), 1893 년 골판지에 템페라와 카제인; 오슬로 국립 미술관에서. National Gallery, Oslo, Norway / Bridgeman Art Library, London / SuperStock
Munch의 그래픽 아트의 방대한 출력 (식각, 드라이 포인트, 석판화 및 목판화)은 1894 년에 시작되었습니다. 판화의 주된 매력은 그가 자신의 메시지를 훨씬 더 많은 사람들에게 전달할 수 있다는 점이었습니다. 실험을위한 흥미 진진한 기회. 그의 그래픽 매체에 대한 공식적인 훈련의 부족은 의심 할 여지없이 그를 극도로 혁신적인 기술로 이끌었던 요인이었습니다. 많은 동시대 사람들과 마찬가지로 그는 목판화 사용에있어 일본 전통의 영향을 받았지만, 예를 들어 톱질 한 나무 블록에서 여러 개의 작은 조각으로 인쇄하여 프로세스를 근본적으로 단순화했습니다. Munch가 표현 목적으로 실제 나뭇결을 사용한 것은 특히 성공적인 실험으로 입증되었으며 이후 예술가들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 그는 또한 자주 다른 미디어를 결합하거나 한 미디어를 다른 미디어 위에 겹쳐 놓았습니다. Munch의 지문은 스타일과 주제 모두에서 그의 그림과 매우 유사합니다.
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